Dziś porozmawiamy o najbardziej niezwykłym i ekstrawaganckim artyście XX wieku, awangardowym artyście Marku Zagarovichu Chagallu. Mistrz urodził się 24 czerwca 1887 r. W ówczesnej witebskiej prowincji Imperium Rosyjskiego. Od dzieciństwa dziwny facet, jak ochrzcili go jego sąsiedzi, widział świat nie jak wszyscy inni. W głowie Marka rozgrywały się ciekawe historie, które później ucieleśniał na swoich płótnach. Ktoś rozumie i uwielbia jego wybitną pracę, a ktoś łaja, patrząc na te zdjęcia z całkowitym zdumieniem. Kto ma rację, a kto nie? Spróbujmy zrozumieć i przeanalizować jego pracę. Dziś mówimy o najsłynniejszych obrazach Chagalla.
The Bouquet of Flowers (1982)
Nawet coś tak prostego jak bukiet kwiatów, które Chagall widział na swój sposób. Wśród wielu rozmytych pociągnięć widać rozmyty bukiet czerwonych kwiatów na niebieskim tle w brązowym owalnym wazonie. Jeden powie, że to psota samouka, drugi to dzieło prawdziwego geniuszu. Ale większość ludzi, którzy są ściśle zaznajomieni ze światem sztuki, uważają, że obraz ma prawo istnieć. Oto taka interesująca wizja awangardy!
Na naszej stronie most-beauty.ru możesz obejrzeć prawdziwe zdjęcia bukietów kwiatów, które są uważane za najpiękniejsze na świecie!
„Rosyjski ślub” (1909)
Marc Chagall, pierwotnie rosyjskie święto narodowe, dokładnie to przedstawił i wydaje się, że wszystko jest tak, jak powinno - pan młody w garniturze, panna młoda w białej sukni i goście idący na taniec dla młodych ludzi idących do kościoła na ślub. Dopiero teraz wszystko jest niejasne i nierealne. Linie są krzywe, wzór jest rozmazany, a kolory są matowe. Być może jest to istota takiego gatunku jak awangarda. Najważniejsze jest to, że autor nadal był w stanie przekazać sens fabuły widzowi. Ale w jakim stylu to zrobił, to jego osobisty wybór i nie do nas należy osądzanie go.
„Stara kobieta z piłką” (1906)
Ten obraz Chagalla jest dość wzruszający i ważny, ma pewne znaczenie filozoficzne. Autor zdaje się mówić nam, że musimy myśleć o starości w młodym wieku, ponieważ jak wiecie: „to, co siejecie, będziecie żąć”, a najgorszą rzeczą na starość jest samotność. Więc ta stara kobieta siedzi sama w smutku, pochylając się nad swą wełnianą kulą, aby przynajmniej jakoś zająć się jej myślami, aby rozproszyć nudę i niepokój. Obraz jest wykonywany w pastelowych kolorach, w stylu charakterystycznym dla autora, w którym jedno pociągnięcie pędzla nakłada się na drugie, tworząc pełny obraz.
„Martwa natura z wazą kwiatów” (1910)
Tak, nie pomyliłeś się, to wciąż życie, ale zostało wykonane w innej interpretacji. Widzi go więc jako człowieka o abstrakcyjnym postrzeganiu świata. W zasadzie wszystko jest jasne - na stole stoi wazon z kwiatami. Przepraszam, nie rozumiem z jakim. W pobliżu znajduje się talerz z owocami, śliwkami lub morelami, a może nawet brzoskwiniami, tutaj możesz wymyślić sam. A przy stole stoi drewniane krzesło, które czeka na swojego gościa lub właściciela. Awangarda to styl malarski, w którym nie ma początku ani końca, jest pewne niedopowiedzenie fabuły, które można postrzegać inaczej, w zależności od posiadanej wyobraźni.
„Adam i Ewa” (1912)
Temat chrześcijański w sztuce był bardzo powszechny w XX wieku i nie tylko, a błędna historia Adama i Ewy pojawi się niejednokrotnie na płótnach współczesnych artystów. Chagall też jej nie obchodził. To prawda, że (według autora) nie można dostrzec niczego poza zielonymi i białymi figurami geometrycznymi, ale znaczenie tego dzieła jest bardzo głębokie i pouczające. A co udało ci się zobaczyć na tym jasnym i kolorowym płótnie?
„Skrzypek uliczny” (1912–1913)
Ciekawe dzieło autora, jakby podzielone na kilka części - to jest tło i centralna postać samego skrzypka, tutaj łączą się dwie historie. Człowiek ze swoimi umiejętnościami zarabia na chleb, a jednocześnie sprawia ludziom radość, grając piękną muzykę. Ale ludzie stali się mimowolnymi słuchaczami dziwnego żebraka-muzyka i nie spieszą się z opuszczeniem swoich domów, aby wspierać dziwnego skrzypka. Chagall był doskonałym kolorystą, przekonaj się, jak barwna i różnorodna jest jego praca, jak bawi się tonami i odcieniami oraz jak łączy pozornie niezwiązane ze sobą.
The Bride (1950)
Piękna panna młoda w czerwonej sukience i długiej białej welonie jest jednym z najpiękniejszych i najbardziej znanych obrazów Marc Chagall. Kobiece obrazy najlepiej odniosły sukces w geniuszu awangardy. Obok wdzięcznej narzeczonej albo oblubieniec, albo anioł tulący ją za ramiona, dając w ten sposób swoje błogosławieństwo i instrukcje, a koza grająca na skrzypcach eskortuje swoją przyszłą żonę do ołtarza.
„Me and My Village” (1911)
Połączenie i przeplatanie kolorów geometrycznych kształtów o nieregularnym kształcie łączy całą fabułę tego obrazu. Zwierzęta i ludzie: kobieta jest wywrócona do góry nogami, jako symbol płodności, i mężczyzna z kosą, symbolizujący śmierć. W tle są kolorowe domy, a na pierwszym planie dwie duże głowy konia i człowiek, tutaj jest ukryty świat fantasy autora. Zdecydowanie obraz ma określone znaczenie i pewną filozofię życia, ale nie każdy może zrozumieć i zrozumieć te skojarzenia autora z rozumieniem rzeczywistości.
The Walk (1918)
Ciekawy spacer zakochanej pary w trybie samolotowym, gdy mężczyzna w czarnym garniturze trzyma za rękę swoją kobietę w jasnej sukience, a ona leci nad nim jak ptak szybujący w chmurach. Ta fabuła, jakby symbolizuje nieziemskie uczucie miłości, z którego chcesz szybować pod chmurami.
„Urodziny” (1915)
Łatwo jest zrozumieć, dlaczego autor nazwał swoją pracę w ten sposób, choć tylko świąteczne kwiaty wskazują na specjalną okazję. Są one prezentowane przez latającego dżentelmena eleganckiej damie, która również zdaje się wystartować. Para połączyła się w czuły pocałunek, a na stole przepyszne ciasto upieczone przez panią na przybycie ukochanego gościa zamarza. W tej pracy obserwuje się symetrię linii i kombinację kolorów, co w zasadzie jest niezwykłe w tym stylu artystycznym.
„Krowa z parasolem” (1946)
Patrząc na obrazy Marca Chagalla, mimowolnie wkrada się pytanie, jak rodzą się w jego głowie, dlaczego krowa i dlaczego z parasolką? Duża biała krowa z czerwonymi skrzydłami i czerwonym parasolem dumnie kroczy przez śpiące miasto, a obok niej jest jej młode pijące mleko. Obraz nie wywołuje entuzjazmu, ale i obrzydzenia, choć na pewno koneserzy piękności znajdą tu wiele zalet i nie będziemy się z tym kłócić.
The Bride with a Fan (1911)
Praca w bieli wydaje się wielu bardzo blada, a jednocześnie jedna z najbardziej udanych. To prawda, że panna młoda tutaj jest bardzo smutna, jakby nie chciała zejść z nawy. Obraz wydawał się spowity gęstą białą mgłą i pewnym smutkiem. Nazwałbym to dzieło awangardowego mistrza - „Pożegnanie z przeszłością, samotne życie”.
The Blue House (1917)
Niebieski wiejski dom na tle pięknej białej katedry wygląda asymetrycznie i nie jest spektakularny, symbolizuje pewną linię między miastem a wsią. Autor chciał także podkreślić społeczny problem ubóstwa i bogactwa, a także nierówności klasowej.
„Pole pszenicy w letni dzień”
To dzieło Chagalla bardziej przypomina rysunek dziecka niż dzieło geniusza, ponieważ nie bez powodu obraz ten odnosi się do okresu sztuki naiwnej. Każdy artysta ma wzloty i upadki. Tutaj widzimy czerwone słońce wschodzące do zenitu nad polem kłosów pszenicy, które nadąża za swoimi gorącymi promieniami. W oddali widać rybaka w łodzi, nad którą wisi czerwony księżyc.
Wreszcie
Styl malowania zwany „Awangardą” jest najczęściej nazywany eksperymentem w sztuce rysowania, wszystko jest tak uproszczone w sensie samego rysunku i tak skomplikowane w sensie fabuły, że wydaje się, że artysta zapomina, a raczej nie myśli zbyt długo o rozwiązaniu jakościowym i oświetleniowym sama praca, więc okazuje się, że się okazuje. Moim zdaniem takie prace mają prawo istnieć, ale nie sprawiają mi przyjemności estetycznej, takiej jak krajobrazy Shishkina lub wspaniałe ilustracje Vrubla. Ale, jak wiesz, nie ma przyjaciół w smaku i kolorze ...